Le Greco

Grand Palais
Du 21 octobre 2019 au 10 février 2020

ENTRE RENAISSANCE ET SIÈCLE D’OR

Dernier grand maître de la Renaissance italienne, premier grand peintre du Siècle d’or espagnol, le Greco nous laisse une œuvre prolifique marquée par les expérimentations techniques et plastiques. Mais connaît-on vraiment Domenico Theotokopoulos, dit El Greco ? De l’artiste, on visualise assez immédiatement les grandes compositions religieuses, chefs-d’œuvre emblématiques du Maniérisme vénitien faisant de lui le peintre des icônes. Mais il serait extrêmement réducteur de limiter son art à cette seule dimension. L’exposition nous révèlera au travers de près de 70 chefs-d’œuvre – compositions, esquisses, portraits, sculptures – tout le génie d’un personnage énigmatique, véritable précurseur de la modernité.

  • Laocoön_and_His_Sons
  • L'Assomption de la Vierge
  • Le Christ en croix adoré par deux donateurs
  • L'ouverture du cinquième sceau
  • Saint François recevant les stigmates

 

De sa Crète natale à Venise, de Rome jusqu’à l’Espagne, le Greco assimilera la culture humaniste et les bases de l’art de la Renaissance, et deviendra le premier artiste de l’Histoire à réussir une synthèse aussi brillante des plus grands noms de son temps, mêlant la couleur du Titien – ses jaunes acides, ses roses intenses, ses verts anis ou  ses bleus électriques – aux audaces du Tintoret et à la force plastique de Michel-Ange. Pourtant, on retiendra de lui pendant longtemps l’image d’un original, un personnage isolé, un « peintre excentrique ayant gâché son art ». Pour comprendre toute la puissance et la modernité de son œuvre, il faut observer les torsions de ses silhouettes – qui font de lui le premier artiste expressionniste –, s’attacher au raffinement pictural et aux détails de ses visages livrant l’intériorité tourmentée de ses modèles. S’en dégage alors une œuvre à la fois fougueuse et électrique. Observez les longues formes de ses sujets et leurs couleurs vives qui s’affranchissent peu à peu du réel : jamais des œuvres religieuses n’avaient autant touché au mystique. On comprend pourquoi les apôtres du Romantisme noir du XIXe, comme l’écrivain Théophile Gautier, ont vu en lui un précurseur. Trois siècles plus tard, ce sont les avant-gardistes modernes du XXe siècle, de Picasso à Jackson Pollock, qui puiseront leur inspiration dans son style. Une exposition historique qui nous révèle – pour la première fois en France – l’œuvre incroyablement intemporelle d’un artiste qui nous invitait à rêver pour mieux percer les mystères de son art.

Le Saviez-vous ? L’Assomption, à voir dans l’exposition, est une œuvre exceptionnelle tout juste restaurée qui n’était pas revenue en Europe depuis plus d’un siècle.

Focus - Le Greco, L’ouverture du cinquième sceau, dit aussi la vision de saint Jean (c. 1609-1614)

  • L'ouverture du cinquième sceau

 

Êtes-vous effrayés, fascinés, choqués ? Ce que vous avez ressenti à la vue de cette toile du Greco, d’autres grands artistes l’ont sans nul doute ressenti avant vous. C’est bien parce que L’ouverture du cinquième sceau ne peut laisser personne indifférent que Cézanne, Picasso, Cocteau ou Chagall, la voyant pour la première fois, crient au chef-d’œuvre. Mais comment le décoder ?

Apocalypse

L’ouverture du cinquième sceau est un passage bien précis de l’Apocalypse selon Saint-Jean : « Quand il ouvrit le cinquième sceau, je vis sous l’autel les âmes de ceux qui avaient été immolés à cause de la parole de Dieu et à cause du témoignage qu’ils avaient rendu ». C’est une scène tragique de fin du monde qui se joue sous nos yeux, et quel meilleur style que celui du peintre pour transcrire toutes les émotions qui agitent les hommes à l’orée du Jugement dernier ?

Amour divin et Amour profane

Derrière le Saint qui se prosterne en habit bleu – couleur de la vierge – se multiplient les corps nus. Sont-ce des tentations charnelles terrestres, ou déjà une vision dantesque de l’Enfer ? Le premier titre de l’œuvre – Amour divin et amour profane – oppose sur deux plans ce qui fera le salut de l’homme et ce qui le mène à sa perte. Le thème de cette mise en scène vient d’un tableau du Titien du même titre, peint un siècle plus tôt, au style bien différent.

 


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