Scandaleuses mais toujours enivrantes... Les Fleurs du mal de Charles Baudelaire étaient-elles forcément vénéneuses ? La Maison Guerlain s’interroge au sein d’une troublante exposition invitant à une profonde introspection sur la dualité de la vie et de la mort, du spleen et de l’idéal, en somme du Bien et du Mal. Métaphores de la féminité pour certains, manifestations poétiques d’une sensualité éthérée pour d’autres, allégories passagères de la nature ou symboles d’éternité au caractère éphémère... Les fleurs montrent ici des ambiguïtés subtiles oscillant sans cesse entre la fragilité des sculptures de Johan Creten et l’érotisme diffus des photographies en noir et blanc de Robert Mapplethorpe. De cette
façon, l’exposition ose les contrastes en convoquant 25 artistes internationaux aux univers particulièrement léchés. L’œuvre langoureuse de Mimosa Echard dialogue ainsi avec celle davantage sensuelle d’Araki, tandis que l’étrange beauté du bouquet décomposé de Yan Pei-Ming s’oppose naturellement aux monstrueuses toiles d’Oda Jaune, déclinées dans une gamme de couleurs charnelles, aux tonalités douces et pastel. Les Fleurs du mal n’ont décidément rien perdu de leur superbe dans cette étourdissante ode à l’œuvre sulfureuse du poète maudit.
M et T sont des marques de la RATP. Sous réserve de disponibilité, les logotypes de la RATP sont téléchargeables et exploitables gratuitement à partir du site data.ratp.fr dans les conditions visées au sein de celui-ci.
Vous êtes observés. Pas par une caméra de surveillance. Par une œuvre qui vous répond. Ici, le trouble règne en maître. Certaines œuvres donnent la parole à des intelligences artificielles qui s’adressent à nous avec une étrange familiarité. D’autres transforment des images intimes en données exploitables, des récits personnels en protocoles. Le malaise ne vient pas d’un discours, mais d’une reconnaissance immédiate : ces situations, on les connaît.
Avant Warhol, avant la société du spectacle, Kees van Dongen savait déjà tout. La couleur comme arme. Le portrait comme scène. La peinture comme attitude.
Entrez dans l’atelier. Pas celui du peintre, ni celui du sculpteur. Celui de l’art en train de se faire. Dès l’entrée, une guitare électrique donne le ton. Dessinée par le designer et musicien Jacques Averna, elle a l’air ludique, presque légère. Elle est tout l’inverse. Sa forme entrave le jeu, déplace la posture, oblige le musicien à négocier avec l’objet.
À la fin des années 1960, en Corée, un groupe d’artistes choisit le retrait. Pas le silence passif, mais une résistance par la répétition, par la matière, par le geste. On appellera plus tard ce mouvement Dansaekhwa – littéralement « peinture monochrome ».
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